Искусство Европы конца 1940-х — начала 1960-х годов
Для искусства Европы конца 1940-х — начала 1960-х годов было характерно несколько общих черт. Во-первых, на почве послевоенной разрухи второе дыхание обрели сюрреализм, экспрессионизм, абстракция. Во-вторых, в культуре заметным явлением стал так называемый «техницизм» — культ техники и промышленного производства. В целом можно сказать, что искусство Европы этого периода развивалось в рамках, заложенных авангардом; выделить какие-то серьезные новые течения достаточно сложно. Но все же назовем несколько имен, без которых история европейского искусства первых послевоенных десятилетий была бы неполной.
ИСКУССТВО ОТВЕРЖЕННЫХ
В 1949 году свет увидело любопытное издание — «Манифест грубого искусства». Его автор, художник и собиратель Жан Дюбюффе (1981-1985), ввел в оборот новый термин — Ар Брют (Art Brut — грубое, необработанное искусство). На протяжении многих лет Дюбюффе, которого в ранней молодости буквально потрясла книга «Живопись душевнобольных», изучал и собирал образцы творчества, созданные психически больными, бродягами, заключенными тюрем. Для Дюбюффе было не принципиально душевное состояние или социальное положение художников. Он терпеть не мог «официальное искусство», а «варварство» предпочитал «удушливой культуре». Он и сам создавал произведения искусства, по своему духу близкие так называемым примитивистам, напоминавшие детские рисунки — кстати, работы детей Дюбюффе тоже ценил очень высоко: ведь они еще не успели заразиться «мертвечиной» и рисуют так, как подсказывают душа и сердце...
По понятным причинам коллекции чудака-собирателя (пробовать себя как художник Дюбюффе начал только в сорок лет) долгое время вызывали раздражение: музеи отвечали отказом на предложение провести выставку «маргинального искусства». Но жизнь все расставила по своим местам: в 1970-х годах в Лозанне был создан Музей Ар Брют, который пользуется большой популярностью. «Обязательно зайдите в этот музей,— написала одна посетительница в книге отзывов.—Это другое искусство. Оно не лучше и не хуже всего остального — оно просто другое».
Почем монохромы?
В начале 1950-х годов во Франции начал возмущать спокойствие еще один яркий (в буквальном смысле) художник — Ив Кляйн (1928-1962). Начал он с того, что выпустил «художественный» альбом, страницы которого представляли собой прямоугольники, залитые тем или иным цветом: оранжевым, красным, синим. Их Кляйн называл монохромами и провозглашал девиз: «За цвет! Против линии и рисунка!» Что сие означало? Он пошел еще дальше, чем приверженцы абстрактного экспрессионизма. Те хотя бы изготавливали некие цветовые композиции, выражавшие их душевное состояние. Кляйн же заявлял, что если настроение может передать холст, закапанный краской трех-четырех разных цветов, то полотно, закрашенное одним цветом, может передать его ничуть не хуже.
А вскоре он организовал выставку, на которой были представлены его работы. Всего их было одиннадцать. Они представляли собой синие «монохромы»: то есть на стенах висели одиннадцать холстов одинаковых размеров, ровно закрашенных одной и той же синей краской. Причем под каждым красовалась табличка с ценой — а цены были разными! Возмущенным зрителям молодой художник пояснял свою позицию так: на протяжении многих лет искусство шло по пути упрощения: от Мадонн Леонардо да Винчи до абстракции. Абстракцию мы уже признали искусством. Так где же та грань, где искусство заканчивается? Если абстракция — произведение искусства, то почему нельзя признать таковым просто закрашенный синим холст? Ведь это все та же краска! А почему на одинаковые полотна установлены разные цены? Так ведь мы много лет говорили, что восприятие искусства субъективно! И я установил разную стоимость просто потому, что мне так захотелось. Субъективно? Еще бы.
Сейчас Кляйна называют одним из основоположников концептуализма — направления, о котором мы с вами обязательно поговорим особо. А еще он воспринимается многими как отец-основатель перформанса: тоже знакомое слово. И историю перформанса мы тоже непременно обсудим.
Увы, Ив Кляйн скончался от сердечного приступа, не дожив до 35 лет. Но его можно считать достойным собратом знаменитых «провокаторов от искусства», таких как Марсель Дюшан и Сальвадор Дали.
Мусорные шедевры
К началу 1960-х годов в Италии рождается направление, получившее название «Арте повера» (итал. Arte Povera—бедное искусство). Художники, представлявшие его (Алигьеро Боэтти (1940-1994), Янис Кунелис (1936-2017), Марио Мерц (19252003) и другие) создавали свои арт-объекты из самых простых предметов и материалов, зачастую подобранных на свалке: упаковка, осколки стекла, мешки, старые ботинки, обрывки тряпок, кожи, рубероида...
В чем был смысл их творчества? Во-первых, показать красоту и возможности простых вещей: из ничего—произведение искусства! Во-вторых, «щелкнуть по носу» любителей дорогих скульптур и полотен, приобретавшихся на аукционах: мол, созданное из мусора произведение может быть ничуть не менее интересно. Также представители арте повера любили вложить в свои творения философский или социальный подтекст: например, идею о необходимости защиты окружающей среды. Использовавшиеся ими приемы популярны в искусстве по сей день.