Минимализм (1960-е годы)
В 1965 году британский философ Ричард Уоллхейм (1923-2003) опубликовал эссе «Минимальное искусство». И, хотя писал он о живописи цветовых полей и дадаизме, определение «минимализм» стали применять по отношению к одной из форм абстрактного искусства, популярной в Нью-Йорке того времени. Этот необычный стиль объединил в себе опыт сразу нескольких художественных направлений ХХ века.
Минимализм стал очередной реакцией на абстрактный экспрессионизм. Минималисты стремились заменить эмоциональную субъективность беспристрастным разумным подходом. Они не разбрызгивали краску по холсту, но работали с холодной математической точностью. Идея минимализма состояла в том, что искусство вообще не должно что-либо изображать или подражать чему-то, оно имеет собственную сущность.
Новый стиль родился как протест против тех явлений, которые художники считали самодовольными крайностями абстрактного экспрессионизма. Минималисты исповедовали конструктивистские представления о том, что произведения искусства должны быть изготовлены из современных материалов, и потому часто использовали кирпич, флуоресцентное освещение и листы металла.
Демонтаж искусства в поисках его сути в попытках
освободить искусство от уз традиции и следуя собственным основополагающим принципам, минималисты открывали исходное состояние материалов, с которыми работали. Используя простейшие геометрические формы и минимум цвета, они предельно упрощали композицию, не допуская ни малейшего намека на личностное проявление. Зритель должен воспринимать произведение, не отвлекаясь на предметы, композицию и содержание. Большинство минималистов работали с объемными формами, некоторые посвятили себя живописи, но и те и другие избегали любых конкретных изображений или иллюзий. Среди выдающихся представителей этого направления — Фрэнк Стелла (р. 1936), Карл Андре (р. 1935), Эллсуорт Келли (р. 1923), Эд Рейнхардт (1913-1967), Дэн Флавин (1933-1996), Дональд Джадд (1928-1994), Сол Ле Витт (1928-2007), Роберт Моррис (р. 1931) и Ричард Серра (р. 1939).
Теоретические идеи
Движение началось с работы Фрэнка Стеллы «Черная живопись», представлявшей собой цикл живописных полотен — черные полоски на холсте, не имеющие никакого скрытого смысла или намека и ничего не символизирующие. Как он сам заявлял, картина — это «плоская поверхность, покрытая краской, — и ничего более». Работа была впервые представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1959 году в рамках выставки «Шестнадцать американцев». Другие художники подхватили идею, лишь перенеся ее в трехмерное пространство.
«Можно не принимать во внимание освещение, но, по моему мнению, оно является столь же очевидным и непосредственным видом искусства, и вы это когда-нибудь поймете» Дэн Флавин
В целом минимализм — это скорее теория, чем практика; не будучи организационно оформленным направлением, он обрел популярность в 1960-е и 1970-е. Каждый художник по-своему интерпретировал идеологию нового стиля. Дональд Джадд (который категорически возражал против того, чтобы его именовали минималистом) создавал абстрактные работы из строительных материалов, подчеркивая чистоту цвета, формы, пространства и всячески избегая любой иллюзорности.
В своих трехмерных конструкциях, так называемых «специфических объектах», он концентрировался на взаимодействии объекта, зрителя и окружающего пространства. Карл Андре, под влиянием Бранкузи и Стеллы, отказался от традиционного для художника самовыражения: он сооружал промышленные модули из кирпича, металла, оргстекла и дерева, расставляя их в правильных математических комбинациях. Дэн Флавин в течение тридцати лет экспериментировал с флуоресцентным освещением, исследовал сочетание формы, цвета и освещения, размещая цветные и бесцветные лампы на белых поверхностях.
Сол Ле Витт еще в 1962 году начал работать с абстрактными черно-белыми рельефами, создавая геометрические конструкции из простейших форм — куб, сфера, треугольник, — окрашенных в красный, желтый, синий и черный. Его скульптуры могут казаться логичными или совершенно иррациональными, в зависимости от предпочтений самого зрителя. В минимализме, как и в конструктивизме, немалую роль играло негативное пространство. Огромное влияние на развитие минимализма оказали монохромные полотна, тексты и лекции Эда Рейнхардта.
«То, что ты видишь, является именно тем, что ты видишь» Фрэнк Стелла
То, что вы видите...
Продолжая идеи поп-арта и дадаистских реди-мейдов, минималисты использовали материалы, более привычные для строительных работ: алюминий, нержавеющую сталь, кирпич, фанеру, электрическое освещение. Промышленные материалы деперсонализировали произведение, и даже цвет не должен был передавать настроение или чувства автора, но лишь помогать различать формы и материалы. Художники иногда демонстрировали свой интерес к геометрии, создавая работы на основе математических концепций, но всячески избегали любой личной информации в творчестве.
Основной принцип: то, что вы видите, и есть то, что имеется в виду. Ни в одном минималистическом произведении нет никаких скрытых намеков, глубинных смыслов или эмоционального содержания. В вопросе о природе искусства и его роли в обществе художников более интересовала реакция зрителя, чем сами художественные объекты. Хотя многие иронизировали по поводу новой концепции и осмеивали ее, это революционное направление оказало мощное влияние на последующее развитие искусства, дизайна и архитектуры.
Редуктивизм
Минимализм, известный также как «редуктивизм», заключался в сведении искусства к простейшим основам, чтобы продемонстрировать фундаментальные идеи мироздания. Следовательно, в нем нет места двусмысленности и эмоциональным аллюзиям — в противоположность абстрактному экспрессионизму. Для минималистов искусство — это не только живопись и скульптура, но и новые материалы, передающие современные концепции, как правило, имеющие отношение к логике и порядку. Дэн Флавин, а позже Иван Наварро (р.1972) использовали электрическое освещение, чтобы изменять восприятие окружающего пространства. Минимализм предельно серьезен: то, что вы видите, является именно тем, что вы видите.
«Кирпичи»
В 1966 году Андре создал восемь скульптур, каждая из 120 огнеупорных кирпичей, под названием «Эквиваленты». Все скульптуры разные, но объединяет их «эквивалентное» количество кирпичей. Последняя форма в серии, «Эквивалент VIII», часто называется просто «Кирпичи». Когда в 1972 году работа была куплена галереей Тейт, это вызвало волну возмущения, так как публика сочла, что деньги налогоплательщиков тратятся крайне неразумно.