Живопись и скульптура Италии

Изобразительное искусство Италии, наследовав традиции Древней Греции, стало колыбелью и наставником для архитектуры и живописи всех европейских стран и создало стандарты, которые долгое время считались общемировыми. Именно здесь окончательно оформились каноны классического изящного искусства.

Лаокоон. Мраморная древнеримская копия греческого бронзового оригинала. Еще Плиний Старший описывал «Лаокоона» как идеальную скульптуру. В Древнем Риме она украшала сады Мецената, на месте которых и была обнаружена в начале XVI века. В середине XVIII века эта скульптурная группа вдохновила немецких теоретиков искусства Винкельмана и Лессинга на создание концепции возрождения классического искусства. Фактически она дала толчок развитию немецкого классицизма

Бронзовый Геркулес с Бычьего форума. Статуя стояла в одном из двух круглых храмов на Бычьем форуме вплоть до конца XV века, когда здание было снесено по приказу папы Сикста IV. Золоченую бронзовую статую перенесли на Капитолий, где папа собирал экспонаты для первого музея в современном нам мире

В отличие от греков, этруски уделяли портрету большое внимание, поскольку это было связано с культом предков, чьи терракотовые статуэтки украшали жилище. Кроме того, по этрусскому обычаю погребальную урну с прахом должен был венчать бюст умершего. Как только в Риме возникла потребность в произведениях искусства, туда прибыли мастера из Этрурии. Они занимались портретными статуями, преимущественно бюстами.  Примерно с середины II века до н, э,, когда римляне, продвинувшись на юг Италии, подчинили себе Великую Грецию и подпали под очарование эллинской культуры, начинается копирование греческих образцов. Это было признаком того, что римская культура не была в состоянии создать сколько-нибудь значительные оригиналы. Все портретные римские статуи имеют своими образцами эллинские статуи, с которых копировался торс, а на нем покоилась исполненная с фотографической точностью голова. Изменилось отношение к скульпторам и художникам. Если в Элладе это были полноправные и довольно богатые граждане, пользовавшиеся всеобщим почетом и уважением, то в Риме мастерами чаще всего были вольноотпущенники и рабы-греки.

О развитии живописи в императорском Риме мы можем судить преимущественно по фрескам, украшавшим интерьеры домов в Помпеях и Геркулануме. Погребенные под толстым слоем пепла, они дошли до нашего времени почти в первозданном виде. Как правило, на красном фоне изображены мифологические и бытовые сцены, с поражающим реализмом передающие образы людей и предметов. Одновременно с фресковой живописью расцвело искусство мозаики, которая служила обязательным украшением полов в богатых домах.

Бельведерский торс. Мраморная римская копия греческого оригинала, найденная в руинах Древнего Рима в XV веке, стала источником вдохновения и учебным пособием для Микеланджело, когда он расписывал Сикстинскую капеллу

С. Боттичелли. Рождение Венеры. Творчество флорентийца Сандро Боттичелли стало связующим звеном между ранним и высоким Возрождением. Если на протяжении всего XV века в Италии было приняло изображать человеческую голову в профиль, то он смело порвал с этой традицией и развернул персонажи своих картин лицом к зрителю. Вообще, этому художнику было свойственно ломать старые каноны и устоявшиеся нормы. Так, он сознательно отвергал перспективу и писал в несколько архаичной манере, поскольку считал, что она является признаком индивидуализма

Несомненно, высочайшим достижением римского изобразительного искусства эпохи империи стал скульптурный портрет. Бюсты постепенно утратили последние следы идеализации, грубо передавая истинные черты личности, не стараясь приукрасить действительность. Со смертью Августа идеализм в скульптуре окончательно уступил место суровому реализму. Начиная с III века художники и скульпторы стали больше внимания уделять самой поверхности предмета, чем его объему и структуре. И здесь сказывалось коренное изменение, происшедшее в создании, - разлом мира на физический и духовный. Мастер как бы разделял суть вещи и ее зрительный образ. Сами модели скульпторов стали другими. С бюстов той эпохи на нас смотрят лица, искаженные гримасой душевной боли. В каждой черточке, складке и морщине виден отпечаток противоречий гибнущей культуры. Напряженный взгляд окруженных тенями глаз выдает плохо скрываемые страх и отчаяние, а губы, сложенные в презрительной мине, по- прежнему плотно сжаты, но теперь они не ухмыляются, а не дают вырваться наружу сдерживаемому крику ужаса и безнадежности.

К началу IV в. скульптура переродилась и перестала быть реалистичной. Недостаток художественного мастерства стал восполняться гигантскими размерами, примером чему служит громадная статуя императора Константина Великого, от которой до нас дошли лишь фрагменты. Бюсты стали грубы, непропорциональны и полностью лишены былого изящества. Портрет вновь начал превращаться просто в символ, который должен был обозначать персону, но не передавать сложные извивы движений ее души.

Донателло. Юдифь и Олоферн. Флорентийский скульптор Донателло был тем мастером, который положил начало кватроченто – эпохе раннего Возрождения. Он первым смог воплотить в камне утраченные идеалы античности, после тысячелетнего перерыва стал изображать обнаженную натуру, возродил законы пропорции и скульптурный портрет, начал отливать бронзовые статуи. Донателло смело порвал с готической традицией, согласно которой статуя должна была стоять в нише

П. Франческа. Крещение Господне. Выучившись у флорентийцев, Пьетро делла Франческа работал в городах Центральной Италии. В отличие от своих учителей, работы которых строились в строгом соответствии с математическими законами линейной перспективы, Пьетро создавал иллюзию глубины при помощи умелого использования света и тени. Он первым в полную силу применил законы светотени в сочетании с правильно подобранными оттенками цвета

После развала империи, нашествия варваров и длительного культурного упадка на рубеже тысячелетий постепенно под влиянием византийских мастеров началось возрождение культуры. Первые картины итальянских мастеров, начиная с Чимабуэ, были по сути выполненными в красках копиями греческих мозаик, и только Джотто смог оторваться от инокописных канонов востока. Кроме Византии и северной готики, третьим живительным источником искусства Возрождения стали сицилийские мастера, которые первыми попытались копировать античные скульптуры.

Стиль мастеров Возрождения столь сильно отличается от готической школы не потому, что люди вдруг научились «хорошо рисовать». Проблема намного сложнее. Люди Средневековья просто не видели того, что стало доступно с началом Возрождения, и не чувствовали потребности писать как-то иначе, поскольку их психология была совершенно другой. Только коренные перемены мировоззрения и мироощущения явили миру ту внутреннюю потребность создавать такое искусство и духовную способность воспринимать подобные произведения. Если для средневекового иконописца само тело не имело никакого значения, поскольку он рассматривал его только как телесный носитель духа, то для художника Возрождения человеческие душа и тело слились воедино и стали неразделимы.

Леонардо да Винчи. Благовещение. Личность Леонардо да Винчи, который еще при жизни стал загадкой для современников и потомков, сочетала в себе многочисленные дарования. Помимо того, что он был гениальным живописцем, Леонардо прославился как превосходный военный инженер и талантливый музыкант, а его записи свидетельствуют о глубоком знании механики, биологии и медицины

Расписанная Рафаэлем лоджия Психеи на вилле Фарнезина в Риме. Рафаэль Санти был одинаково чужд как научным поискам холодного да Винчи, так и творческим мукам бунтаря Микеланджело. Его уравновешенный гармоничный характер и гениальное дарование дали миру пример безмятежного светлого искусства

Б. Челлини. Персей на пьяцце Синьории. Челлини был младшим современником Микеланджело и принадлежал к следующему поколению, бесспорно являясь самым талантливым скульптором эпохи маньеризма. Большую часть жизни ему пришлось работать как ювелиру, и он не смог в полной мере реализовать свой талант ваятеля, но оставил потомкам захватывающие мемуары

Поэтому наиболее революционные изменения произошли именно в живописи. Если в истории Европы уже были и купола, и обнаженные статуи, преображения в живописи были уникальны. Впервые на картинах появился не просто задний план, а горизонт как символ бесконечности пространства. Теперь картина перестала быть «раскрашенным рельефом» и превратилась в окно, которое вело в другой мир, поражавший своей реальностью. Борьба между фреской и станковой масляной живописью завершилась полной победой последней. Сама фреска перестала быть плоской и наполнилась объемом, который расширял границы помещения до бесконечности. Наполненная красным, желтым и черным цветом плоскости и телесности палитра античности уступила место господству голубых и зеленых оттенков бескрайнего пространства. Этот перевод полностью завершается у венецианцев Джорджоне и Тициана, после чего Великая художественная революция пожинает плоды своих побед вплоть до конца XIX века.

Архитектор Брунеллески разработал математические законы линейной перспективы. Она была достаточно сложна, и часто художники раннего Возрождения заказывали архитекторам просчитывать и проектировать эскизы их картин. Масляные краски значительно упростили составление эскиза, поскольку появилась возможность вместо линейной перспективы использовать атмосферную. Пьетро делла Франческа первым использовал масляные краски для создания объемного изображения, и с тех пор глубина картины создавалась не графическими методами, а художественными.

Ф. Пармиджанино. Мадонна с длинной шеей. Пармский художник Франческо Пармиджанино стал одним из ведущих живописцев эпохи маньеризма, которая постепенно сменила стиль Ренессанса примерно в середине XVI века. Исчерпав художественные приемы старого стиля, итальянские живописцы стали больше уделять внимания как броским визуальным эффектам, там и духовной составляющей, в поисках постепенно отходя от античного идеала. В итоге фигуры на их полотнах приобрели неведомую ранее экспрессию и даже эротизм, линии тела стали вытянутыми, а позы – нарочито напряженными

М. Караваджо. Юдифь и Олоферн. Караваджо был художником-реформатором, который произвел настоящую революцию в живописи XVII в., став одним из величайших мастеров итальянского барокко. Он первым в полной мере использовал светотень, мастерски применяя контраст между ярко освещенными фигурами и затемненным фоном на своих полотнах. Его творчество оказало огромное влияние на ведущих мастеров европейской живописи – Веласкеса, Рубенса и Рембрандта

После долгого перерыва в изобразительном искусстве, сперва в скульптуре, а затем и в живописи, вновь появляется обнаженная натура. Античный мир изображал исключительно обнаженное тело, наслаждаясь пропорциями и видя в нем только плоскость, украшенную развитой мускулатурой, которую голова венчала только потому, что она была частью этого тела. История довела творчество античных скульпторов до логического завершения, лишив их творения голов с ничего не выражавшими лицами-масками. Средневековье не интересовалось человеческим телом как таковым, считая его бренной материальной оболочкой. Ему были одинаково чужды как обнаженная натура, так и портрет. Искусство Возрождения занялось и тем, и другим, но в отличие от античности придало обнаженному телу совершенно другое значение.

Греческие скульпторы открыто при свете дня изучали свои натуры на спортивных состязаниях, и их интересовала только игра мускулов под кожей натурщиков. Художники Возрождения тайно по ночам анатомировали выкраденные с кладбища трупы, стараясь найти в них остатки души. В своих занятиях анатомией Леонардо да Винчи руководствовался целью понять, как устроено человеческое тело, постичь его природу, иначе он не мог правильно изобразить его. Насколько статуи Микеланджело преисполнены эмоций, настолько полностью бездушна античная скульптура. Если Ренессанс выразил в камне квинтэссенцию своей мятежной исхлестанной эмоциями души, то античность оставила груду прекрасно выполненных каменных торсов, лишенных какой-либо мысли или побуждения.

Дж. Бернини. Экстаз Святой Терезы в церкви Санта-Мария-делла-Виттория. Римский скульптор и архитектор Бернини считается классиком стиля барокко, который пришел на смену маньеризму. Он смог вывести скульптуру на качественно новый уровень, фактически оживить мрамор и превзойти античные образцы. Бернини по праву считается самым великим скульптором XVII века

Тициан. Венера Урбинская. Венецианский художник Тициан был признан величайшим живописцем Позднего Возрождения, и его имя стоит в одном ряду с Микеланджело и Рафаэлем. Долгое время он работал в жанре портрета, иногда «отвлекаясь» на мифологические сюжеты. В 1548 г. император Карл V пригласил Тициана в Аугсбург, где мастер создал целую галерею великолепных портретов. Вернувшись домой, он окунулся в атмосферу Контрреформации и писал преимущественно для церкви

Подлинный расцвет культуры итальянского Ренессанса пришелся на один из самых тяжелых и кровавых периодов истории страны. Именно смутная и кровавая первая половина XVI века стала эпохой высокого Возрождения, временем, когда в Италии творили наиболее выдающиеся художники.