Сюжеты, наиболее часто изображаемые в живописи, позволяют отнести то или иное произведение к определенному жанру – портрету, натюрморту, историческому жанру и т. д. Само слово «жанр» в переводе с французского означает «вид», «род». Некоторые жанры существовали уже с древнейших времен, другие – сформировались лишь несколько столетий назад. Жанры в живописи

Портрет

Портрет – один из самых древних жанров в искусстве, свидетельством чему являются изображения правителей, созданные мастерами Древнего Египта и эпохи Античности. Превосходнейший уровень живописного мастерства демонстрируют знаменитые фаюмские портреты, написанные еще на заре нашей эры. Образы людей здесь переданы почти с фотографической точностью, а их глаза отражают богатый духовный мир. С появлением христианства интерес к отдельно взятому человеку и его индивидуальным особенностям, как внешним, так и внутренним надолго ушел из области живописи. Отдаленные портретные черты в лицах изображенных персонажей вновь появляются лишь в эпоху позднего Средневековья и Раннего Возрождения. Чаще всего эти своеобразные «портреты» представляли в той или иной религиозной композиции ее заказчиков, поклоняющихся Христу, Деве Марии или своим святым-покровителям (XII–XIV вв.). Одна из первых таких работ – портрет Энрико Скровеньи кисти Джотто на стенах капеллы Скровеньи в Падуе.

Во второй четверти XV в. портрет становится первым самостоятельным живописным жанром, который четко выделился в эпоху Возрождения. Основной задачей ренессансного портрета являлось увековечивание выдающегося современника. Заказчик предстает как смиренный и благочестивый донатор, а как личность, наделенная индивидуальными качествами.

Но уже с конца XVII столетия и по первую половину XIX в. – портрет превратился в парадное, репрезентативное изображение людей, относящихся преимущественно к высшему сословию.

Лишь в первой четверти XIX в. с серией портретов душевнобольных, написанных Теодором Жерико (1822 г.), психологизм возвращается в этот жанр, а формы портрета начинают отличаются большим разнообразием.

Помимо индивидуальных портретов, существуют портреты парные и семейные.

Особое место в этом жанре занимают автопортреты, на которых запечатлели себя знаменитые мастера разных эпох. Ведь автопортрет – это всегда размышление художника о себе и своем месте в мире.

Натюрморт

Натюрморт традиционно представляет собой изображение неодушевленных предметов. Сам этот термин, означающий в переводе с французского «мертвая жизнь», вошел в художественный обиход не ранее XIX в., то есть намного позже, чем появились те многочисленные изображения, к которым его можно применить и которые существовали уже за много веков до нашей эры, например, в искусстве Древнего Египта. И по сей день в настенных росписях древнеримского города Помпеи можно увидеть натюрморты в обрамлении нарисованной иллюзорной архитектуры. В большинстве случаев в них изображались ксении – покровительственные дары, которые радушные хозяева преподносили гостям. Обычно они представляли собой корзину с фруктами, вазу, дичь или рыбу. В эпоху Возрождения античные декоративные элементы были вновь открыты итальянскими художниками, что способствовало увеличению их интереса к окружающему миру предметов, но вплоть до начала XVII в. натюрморт продолжал оставаться в подчиненном положении у религиозных композиций и портретов.

Но, несмотря на то, что жанр уже сложился, изображения разнообразных предметов, цветов и плодов еще долгое время будут наполнены определенной, чаще всего религиозной, символикой. Так, прекрасные натюрморты, созданные голландскими мастерами XVII в. – завтраки, банкеты, напоминающие о бренности жизни Vanitas (см. раздел «Живопись XVII в.»), всегда будут нести в себе назидательный смысл. Такого типа картины имели общее название Stilleven – «тихая жизнь», и полностью ему соответствовали.

XVII в. стал временем расцвета натюрмортной живописи не только в Голландии, но и во Фландрии, Испании, Италии. В Испании у подобных изображений было свое название bodegonas – что значит «подвал» или «таверна» (см. раздел «Живопись XVII в.»).

Во Фландрии монументальные полотна с изображениями роскошных даров родной земли призваны были отображать ее богатство и плодородие.

В XVIII в. натюрморт постепенно избавляется от своего символического значения, и на первый план выходит интерес художников к самим предметам и к отображению их посредством живописи, прекрасным примером чему является творчество ведущего мастера этого жанра Жана Батиста Симеона Шардена.

Долгое время натюрморт относился к числу низких жанров, поэтому немногие из известных мастеров обращались к нему в XVIII и XIX столетии. Заслуженное внимание этому жанру вернул во второй половине XIX в. французский художник Поль Сезанн.

К жанру натюрморта можно отнести и картины-обманки, так называемые тромплей (trom pel’oeil – фр. «обман зрения»), задача которых состояла в том, чтобы обмануть своей детальной проработкой и реалистичностью глаз зрителя, подобно тем винограду и покрывалу, что были написаны античными живописцами Зевксисом и Паррасием. Хотя в технике trompe-l’oeil нередко бывают выполнены также изображения человеческих фигур и иллюзорной архитектуры.

В этом натюрморте Мане обращается к изображению именно неживой природы – срезанных, уже увядающих цветов, небрежно брошенных рукой садовника. Присутствие человека здесь обозначено лежащим на краю стола секатором, который напоминает раскрывшийся на стебле цветок. Лезвия инструмента направлены в сторону пышных лепестков пиона цвета запекшейся крови. Эти детали позволяют предположить, что художник, подобно голландским мастерам XVII в., затрагивает тему бренности всего сущего и быстротечности жизни. Данная композиция, написанная сильными, быстрыми мазками кисти, прекрасно иллюстрирует уровень художественного мастерства Мане.

Пейзаж

Пейзаж (фр. рaysage, от pays – страна, местность) как самостоятельный жанр появляется лишь в XVII в., но интерес к изображению природы и городской среды художники проявляли уже в эпоху Ренессанса. Особенность пейзажного окружения персонажей в произведениях ренессансных мастеров заключалась в том, что наиболее популярные сюжеты из Ветхого и Нового завета, происходившие согласно Библии на Древнем Востоке, помещались ими в типично европейский пейзаж. Таким образом, Христос, Богоматерь и другие библейские персонажи становились ближе и художнику, и его современникам, находясь с ними буквально в одном пространстве.

Признанными мастерами пейзажа в XVII в. становятся голландцы с их особой любовью к видам родной природы. Созданные ими произведения данного жанра отличаются многообразием – это пейзажи сельские, городские, морские, зимние.

Интерес к изображению природы с далекими панорамными видами, характерными для голландской живописи, во многом был связан с тем, что люди того времени постепенно открывали для себя новые, бесконечные горизонты окружающего их мира, поскольку XVII в. предшествовала эра великих географических открытий, освоения новых земель и новых морских маршрутов. Интересно отметить, что многим голландским пейзажам этого столетия свойственна не только панорамность, но и высокий угол зрения. В действительности такие пейзажи было бы невозможно увидеть невооруженным взглядом, поскольку в ландшафте Голландии нет возвышенностей, и поэтому воздушная перспектива и взгляд с высоты птичьего полета были практически недоступны голландским художникам XVII в. Открывающиеся сверху виды на города и ландшафты появлялись в живописи в результате использования математических моделей, сконструированных с помощью технических инструментов и законов геометрии. Картографические проекции, геодезические приборы, систематическая триангуляция, артиллерийские приборы для измерения и наведения прицела – все это теперь использовалось для создания пейзажа, а картина, таким образом, становилась результатом соединения математики, навигации и военного дела. Подобный подход к созданию живописного произведения соответствовал утверждению Леонардо да Винчи о том, что живопись – это наука.

К этому времени художники уже нередко использовали и такое устройство как камера-обскура – светонепроницаемый ящик с отверстием в одной из стенок и экраном (матовым стеклом или тонкой белой бумагой) на противоположной стене, позволяющий получить оптическое изображение объектов. Исследователи предполагают, что с ее помощью Ян Вермеер написал свой знаменитый пейзаж города Делфта (1661).

В отличии от приближенных к реальности пейзажей голландских мастеров, во Франции складывается традиция так называемого идиллического, сочиненного пейзажа, к которой можно отнести произведения Клода Лоррена. В его пейзажных композициях природа становится масштабными декорациями, на фоне которых разворачиваются мифологические или библейские сцены.

В Италии XVIII в. получает развитие такой тип городского пейзажа как «ведута». Помимо этих реалистичных архитектурных видов, пользовались успехом и так называемые каприччио – вымышленные пейзажи древних развалин, созданные воображением таких мастеров как Мариески и Панини. В то же время природа самой Италии и ее античные руины на два ближайших столетия становятся идеалом пейзажного мотива для художников из других стран – Франции, России, Германии. Итальянские пейзажи превалировали в европейской живописи вплоть до середины XIX в., когда у художников постепенно начинает пробуждаться интерес к национальному пейзажу. Во Франции это были мастера так называемой барбизонской школы (Руссо, Добиньи, Дюпре), в России – такие живописцы как Саврасов и Шишкин, а позднее Левитан. Особую роль в развитии пейзажного жанра сыграли художники-импрессионисты (Ренуар, Писсаро, Сислей), в творчестве которых он стал ведущим.

Бытовой жанр

В полную силу бытовой жанр, ставший к тому времени самостоятельным явлением, заявляет о себе в XVII в., хотя изображения быта и сцен из повседневной жизни можно было увидеть уже и в древней живописи, и в живописи эпохи Возрождения (особое внимание к ним проявляли художники Северного Ренессанса). Но все же подобные сцены служили тогда лишь деталями в произведениях, имевших преимущественно религиозное назначение.

Прежде всего, характерная для нидерландской живописи предшествующих веков традиция подробного бытописания нашла в XVII в. свое органичное продолжение в творчестве так называемых «малых голландцев». Голландские жанристы впервые в европейской живописи рассказали в своих картинах о жизни человека в кругу семьи, в стенах частного дома. Они заглянули во внутренние дворики городских жилищ, на кухни и в спальни, в нарядные гостиные. Обратившись к темам повседневного быта, голландские художники научились передавать их с удивительной достоверностью, открыли в них мир своеобразной поэзии и человеческих чувств. Хотя в живописи того времени нередки были также изображения драк и разгульного веселья, которые относились к «грубому» или «крестьянскому жанру», но при этом носили назидательный характер. Крестьянские жанровые сцены были популярны и во Фландрии.

Особое развитие жанровая живопись в XVII в. получила в Испании, в творчестве Мурильо и раннего Веласкеса, часто писавших простонародные типажи в их повседневном бытовом окружении. Изображения не приукрашенной жизни низшего сословия были характерны и для произведений французских мастеров, таких как Луи Ленен.

В XVIII в. бытовой жанр «облагораживается», а жизнь людей «галантного века» предстает в живописи как изображение бесконечного праздника и игры. Одно из основных предназначений подобных живописных произведений состояло в том, чтобы доставлять удовольствие зрителю и украшать изысканный интерьер в стиле рококо. Но в работах таких мастеров как Уильям Хогарт (Англия) и Пьетро Лонги (Италия) уже отчетливо звучит сатира на царящие в современном благородном обществе нравы.

Живописи эпохи ампир, как и классицизму, с их тяготением к высокому стилю жанровые сцены в целом были чужды. Согласно академической иерархии жанров бытовой жанр относился к числу низких, поэтому в XIX в. лишь с появлением художников, восставших против академизма, вновь возникают изображения простых людей в их повседневной действительности. Некоторые из них носили острый социальный характер, как в живописи художников реалистического направления (Милле, Курбе, Домье), другие были наполнены радостью жизни как в картинах импрессионистов, представлявших своих современников в театрах, кафе и на пикниках (Ренуар, см. раздел «Живопись XIX в.»). С тех пор бытовой жанр окончательно укоренился в искусстве живописи.

Анималистический жанр

Главной темой данного жанра является изображение животных, птиц и охотничьих сцен. Его название происходит от латинского слова «animal» – животное. Как мы уже знаем из раздела «Живопись Древнего мира», анималистические темы – древнейшие в истории живописи. Изображения животных встречаются и в пещерах первобытных людей, и в греческой вазописи, и в средневековых бестиариях. Однако обособление анимализма как отдельного жанра происходит лишь в XVII столетии. Его родоначальниками считаются голландские художники Альберт Кейп и Паулус Поттер, писавшие изображения домашних животных на фоне ферм и пастбищ, воспринимая их как неотъемлемую часть размеренной и тихой сельской жизни.

Для фламандской живописи этого времени, напротив, были характерны динамичные сцены охоты, образы диких зверей и экзотических птиц, как в произведениях художника Яна Фейта, которого считали величайшим анималистом Фландрии после Снайдерса. О нем говорили как о втором Ное, который тоже собирал животных и птиц, но только на своих картинах, а его мастерство в изображении представителей мира природы ставили в один уровень с портретным мастерством Ван Дейка.

Павлин с его ярким и пышным хвостом, священная птица Юноны – царицы античных богов – придает благородство и сияющую красоту всей картине. Попугай, петух, курица и две цапли добавляют свои голоса в концерт – какофонию из карканья, криков, кукареканья и воркования. Тем временем сойка с любопытством смотрит на пустую нотную книгу, застрявшую между сучьями деревьев, у основания которого лежит мертвый голубь. В известном птичьем концерте, описанном Торквато Тассо в поэме «Освобожденный Иерусалим» в 1575 г., «веселые птицы… пели радостные песни на каждой ветке» в заколдованном саду у дворца Армиды. В поэме Тассо попугай сидит особняком от основного хора. Поют ли птицы Фейта ту же песню о быстротечности, что и у Тассо, где автор предлагает слушателю «собирать розы любви, пока еще возможно» – этот вопрос остается без ответа.

В дальнейшем в XIX в. в произведениях мастеров анималистического жанра естественнонаучный интерес и стремление к точному воссозданию повадок и природной пластики животных будет соседствовать с романтическим восхищением их силой и ловкостью. Ведущие представители романтизма часто обращались к миру дикой природы, которая ассоциировалась для них с преодолением границ и правил, навязанных рациональным «цивилизованным» миром. В их картинах нередко возникает образ встающей на дыбы лошади или лошади, терзаемой львом (Делакруа, Жерико, Стаббс).

Близкий барбизонской школе живописи Констан Тройон писал изображения охотничьих собак и лирические пейзажи с пасущимися овцами, а «наивный» художник по прозвищу Таможенник Руссо изображал сцены борьбы и охоты экзотических животных в джунглях, зарисовывая их чучела в Зоологическом музее Парижа. Не оставляли вниманием анималистический жанр и художники XX века, но эти образы были уже далеки от реалистического характера натурных изображений (Франц Марк, Пабло Пикассо) и чаще всего имели особое символическое звучание.

Исторический жанр

Историческая живопись, являющаяся высоким жанром, включает в себя картины не только на историческую тематику, но и на аллегорический, религиозный, мифологический или литературный сюжет. К ней примыкает и батальный жанр, посвященный изображению битв и эпизодов военных действий.

Развитие этого жанра всегда было обусловлено изменением исторических и социально-политических взглядов того или иного общества.

Первые изображения из тех, что можно отнести к историческим, известны с глубокой древности – среди них сцены победоносных сражений древнеегипетских фараонов и битвы античных героев. С появлением христианства подобные сюжеты на несколько столетий исчезают из мира живописи. Так, в средневековой Европе в качестве исторических рассматривались различные религиозные композиции, в то время как реальные события изображались довольно редко и весьма условно (миниатюры в исторических хрониках), что было связано с особенностями мировосприятия людей того времени.

Принято считать, что исторический жанр в его современном понимании в живописи складывается только в эпоху Возрождения – в итальянском искусстве ранние монументальные фрески становятся своеобразным документальным свидетельством благодеяний того или иного заказчика и фиксируют события из реальной жизни с целью увековечить их для потомков. В XV – начале XVI вв. появляются многофигурные композиции с изображением недавних битв (Паоло Уччелло, «Битва при Сан-Романо») и торжественных событий (Мелоццо да Форли, Джентиле Беллини, Пинтуриккьо), но все чаще художники начинают обращаться в своем творчестве к прошлому, преимущественно античному, как к героическому идеалу и образцу для подражания. В живопись вновь возвращаются изображения мифологических сцен, нередко появляются и отсылки к литературным сюжетам (Боттичелли).

XVI в. становится эпохой прославления великих современников, что часто находило воплощение в форме аллегории. Особого размаха в это время достигает мифологический жанр, ставший популярным не только в станковой живописи, но и в масштабных монументальных росписях итальянских мастеров (Тициан, Веронезе, маньеристы Россо Фьорентино и Приматиччо).

В XVII в. исторический жанр получает определение «высокого», отныне он включает в себя религиозные, мифологические и собственно исторические сюжеты согласно академической системе иерархии жанров. Новые композиционные решения этих тем разрабатывают крупнейшие мастера XVII столетия – Пуссен, Веласкес, Рембрандт, в произведениях которых они приобретают строгое и величественное звучание.

Более эффектные и декоративные приемы в трактовке исторических и мифологических сцен возникают в творчестве Рубенса, а позднее Тьеполо.

Во второй половине XVIII в. с наступлением эпохи Просвещения перед историческим жанром ставится новая задача – теперь поступки героев древности должны были преподноситься как урок общественной морали. Историческая живопись наполняется героическим пафосом гражданского долга, отныне ее цель заключается в том, чтобы служить возвышенным идеалам социума (Жак Луи Давид. «Клятва Горациев»). Постепенное развитие археологии и исторической науки во многом влияет на стремление художников к точному и достоверному воспроизведению атмосферы прошлых веков (пока еще, преимущественно, эпохи Античности).

Все чаще находят отклик в живописи исторического жанра и современные события, происходившие, прежде всего, во Франции, вступившей в эру Революции, а затем наполеоновских войн. Главным историческим художником продолжает оставаться Давид, в то время как мифологические и литературные темы развивает в своем творчестве его ученик Энгр, включивший позднее в круг исторических сюжетов сцены, изображающие выдающихся личностей эпохи Средневековья и Возрождения (Жанна д´Арк, Наполеон, Леонардо да Винчи, Рафаэль).

Параллельно с этими тенденциями представители романтического направления (Делакруа, Жерико) привносят в исторический жанр дух борьбы и протеста, страстное и темпераментное отображение драматических противоречий и конфликтов, как современности, так и прошлых эпох. Революционным настроем наполнены композиции Оноре Домье и знаменитая «Свобода, ведущая народ» Делакруа (1830).

Среди художников других национальных школ на рубеже XVIII–XIX вв. лишь Гойя обращается к современным историческим событиям, затрагивавшем судьбу его народа, что тоже являлось следствием политики Наполеона («Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 г.»)

Интерес к искусству Средних веков и Возрождения демонстрирует творчество назарейцев в Германии и прерафаэлитов в Англии. Все большее внимание художники разных стран проявляют и к своей национальной истории.

Превалирующую роль в это время играет исторический жанр в так называемой салонной живописи. Ее приверженцы теперь уже обращаются к бытописанию практически всех времен и эпох и продолжают бесконечно изображать обнаженных Венер, Диан и наяд из мира античной мифологии. Эти тенденции все еще были связаны с традициями академизма и с тем, что в Академиях продолжали отдавать предпочтение «высокому» жанру монументальных полотен. В противовес напыщенной и пафосной академической живописи целый ряд художников, в первую очередь французских, переключается на решение новых задач в отображении реальной действительности (импрессионисты). Их творчество знаменует постепенный закат исторического жанра.